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Anna Vonnemann paints. She paints in the manner of the old masters. Her works include large-scale floral compositions and sensual depictions of the human body. At first glance, one might not suspect that she originally began her career as a conceptual artist, and that this intellectual heritage continues to live on in her paintings.
As a student of Franz Erhard Walther, the great counterpoint to Joseph Beuys and an avant-garde pioneer of a new concept of artistic work in the 1960s and 1970s, she brings Walther’s inquiries into material and action into the realm of painting. I have always been fascinated by the conceptual aspects of painting, especially when they manifest in such a profoundly sensual way, as they do in Anna Vonnemann’s work. This sensuality stems from a deep understanding and knowledge of the essence of painting. Naturally, she – like her teacher Walther – has studied all the great masters: Rubens, Van Dyck, and the Italian masters. In an era of technical reproducibility, Anna Vonnemann experiments with manual reproduction, with self-copying. What fascinates her is the difference, the subtle variation, and the fact that there will always be a difference. And that difference is significant. Just as the ancient philosopher Heraclitus stated that one can never step into the same river twice, and the French semiotician and literary philosopher Roland Barthes noted that every re-reading of a text creates a new, different realization, Anna Vonnemann’s repetitions of subjects point to this phenomenon: the inherent impossibility of exact repetition and the moment-bound nature of our existence. Her work carries within it a baroque sense of memento mori – and carpe diem. One might even ask whether this concept echoes her teacher Walther’s idea of activating a work: where the artwork truly comes into being only when a person engages with it through action, and where, in the moment of activation – which is not a performance! – it creates a meaningful difference. Almut Hüfler, Berlin 2024
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Anna Vonnemann malt. Sie malt in altmeisterlicher Manier. Großformatige Blumenbilder, und sinnliche Körper. Man würde auf den ersten Blick nicht darauf kommen, dass sie eigentlich als Konzeptkünstlerin begonnen hat. Und dass dieses geistige Erbe auch in ihren Gemälden weiterlebt. Als Schülerin von Franz Erhard Walther, dem großen Antipoden von Joseph Beuys und Avantgardisten eines neuen Werkbegriffs der 1960 und 70er Jahre, überträgt sie die von Walther aufgeworfenen Fragen nach Material und Handlung in die Malerei.
Mich fasziniert der konzeptionelle Anteil von Malerei schon immer. Besonders, wenn er in der überaus sinnlichen Weise erscheint, wie bei Anna Vonnemann. Diese Sinnlichkeit speist sich aus einem tiefen Wissen und Verständnis des Wesens von Malerei. Selbstverständlich hat sie – wie auch ihr Lehrer Walther – alle großen Meister studiert – Rubens, Van Dyk, die Italiener. Anna Vonnemann experimentiert – im Zeitalter der technischen Reproduzierbarkeit – mit der manuellen Reproduktion, der Selbstkopie. Was sie daran interessiert ist die Differenz, der feine Unterschied, und die Tatsache, dass es immer einen Unterschied geben wird. Und der ist bedeutsam. So wie der antike Philosoph Heraklit davon sprach, dass man nie in den gleichen Fluss steigen könne, und der französische Semiotiker und Literatur-Philosoph Roland Barthes darauf verwies, das jede wiederholte Lektüre eines Texts eine neue, andere Realisierung schaffe, so verweisen Anna Vonnemanns Sujet-Wiederholungen genau auf dieses Phänomen: der eigentlichen Unwiederholbarkeit, und Moment-Gebundenheit unserer Existenz. Darin steckt auch viel barockes Memento Mori – und carpe diem. Und man kann sich fragen, ob darin nicht eben auch eine Spur der Werk-Aktivierungen ihres Lehrers aufscheint: Indem das Werk erst entsteht, wenn ein Mensch handelnd sich mit ihm in Beziehung setzt, und im Moment der Aktivierung – die keine Performance ist! – einen Unterschied macht. Almut Hüfler, Berlin 2024
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