Wenn ein Bild den Anspruch erhebt dekorativ zu sein, Ausstattungsstück zu sein und die Funktion der Repräsentation erfüllen möchte, so sind dies Aufgaben, die in der Geschichte der Kunst nicht nur historisch üblich sondern auch bevorzugt waren. Es waren Funktionen und Aufgaben der Kunst.
Daß diese dekorative Ausstattungsfunktion heute an andere Aufgabenfelder übergeben wird – Innenarchitektur, Innendekoration usw., hängt mit dem Verständnis unseres modernen Kunstbegriffs zusammen: dem Kunstwerk kommt ein Autonomiecharakter zu, der in der Tradition der idealistischen Ästhetik vor allem produktionsästhetisch begründet ist. Damit gleichzeitig werden die sozialen Funktionen des Kunstwerkes in Frage gestellt. Daß das Kunstwerk auch einen Wirkungscharakter und eine Wirkungsrichtung hat und haben will – dies entzieht sich nicht nur der Aufmerksamkeit sondern auch dem Streben einer Qualitätskontrolle, die in den Fragen nach individueller Realisation, dem Anspruch nach allgemeinverbindlicher Aussage und kritischer Stellungnahme das vernachlässigt, was schon Schiller als den Spieltrieb des Menschen beschrieben und auf das Schöne bezogen hat.
Ist das Kunstwerk eine Vereinigung von Vernunft und Sinnlichkeit? Können wir diese Formel heute für uns aufrecht erhalten und rechtfertigen? Ist der Genuß eines Kunstwerkes zu rechtfertigen in einer zeitgenössischen Welt, die sich rational orientiert gibt, aber rational nicht mehr überschaubar ist?
Die Bilder von Anna Vonnemann geben sich in ihrem Ensemblecharakter als Dekoration, die für einen individuellen Wohnraum als Bühnensituation konzipiert ist. Ist diese Bühne Lebensort, an dem man sich sinnlich-lustvoll zu Hause fühlt, so ist sie gleichzeitig Repräsentationsort, den man sinnlich-lustvoll vorzeigt.
Wenn Anna Vonnemann das Rosenthema für ihre Ensembles wählt, so wählt sie zunächst das Thema der Schönheit. Es ist aber zugleich – ikonographisch und ideengeschichtlich gesehen – ein Motiv der Zurückgezogenheit und der Abgeschlossenheit. Wir kennen aus der Motivgeschichte den mittelalterlichen Garten und den „hortus conclusus“, in denen die Rosen ein fester und immer wiederkehrender Bestandteil waren. Sehen wir dieses Motiv frei von theologischen Gehalten, dann waren diese Gärten Orte des Rückzugs, Orte der Erholung, Orte der Abgeschlossenheit. Wenn dieser Gedanke in unsere heutige Welt zurückgeholt wird, dann bedeutet dies, daß die Kunst von Anna Vonnemann nicht nur einen dekorativen Aspekt besitzt. Ihre Bilder sind malerisch-technisch brillant ausgeführt und allein schon wegen ihres köstlichen Farbauftrages zu würdigen. Ihre Kunst bringt darüber hinaus aber auch die Kunst aus den Ebenen der idealistischen Weihetempel zurück in die Welt des realen Lebens und erhält damit eine Entlastungsfunktion, die dem antiken Gedanken des „otium“ nahesteht – der Wunsch nach Ruhe, Entspannung und Muße. Der Genuß des antiken „otium“ als Genuß der reinen und gesellschaftlich nicht belasteten Natur erfährt hier eine Übersetzung in den Genuß des Bildes. Die Rosenmotive in ihrem Ensemblecharakter, in ihrem unendlichen Rapport zeigen ein „all over“, das einen architektonischen Raum als Erfahrungs- und Erlebnisraum definieren kann.
Der Reiz von Anna Vonnemanns Bildern besteht im Beieinander von handwerklichem Können und intellektueller Reflexion, die dem Kunstwerk einen Funktionswert zuerkennt, der – historisch legitimiert – uns heute abhanden gekommen ist.
Also: das Kunstwerk als Inszenierung eines privaten Raumes für ein „privatim“, das als Bühne öffentlich werden kann für eine Gemeinschaft.
Warum soll man sich vor Bildern nicht wohl fühlen dürfen?
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Some reflections on paintings by Anna Vonnemann
When asserting its decorative function, as a piece of furnishing, and aiming at representation, a painting aspires to tasks which have not only been commonplace, but preferred throughout art history. These were the functions and tasks of art.
The fact that the painting’s purpose as decoration and furnishing has been handed over to other fields today – to interior design, interior decorating etc. – is connected with our modern concept of art: the work of art is granted an autonomous character rooted in the tradition of idealistic aesthetics and, particularly, production aesthetics. At the same time, the social functions of the artwork are questioned. But the work of art also gives rise to a fully intentional, specific effect. Quality control focusing on questions of individual realisation, a universal message and a critical standpoint fails to recognise this, neglecting something that Schiller – relating it to the beautiful – already described as man’s play instinct.
Does the work of art represent a union between reason and sensuality? Can we uphold this formula today, and still justify it? Is the enjoyment of a work of art justifiable in a contemporary world that pretends rational orientation, but is no longer rationally comprehensible?
Anna Vonnemann’s pictures have the character of an ensemble, and they are conceived and intended as décor for a specific living room; a staged situation. While this setting is a place to live where people feel sensually and gratifyingly at home, it is also a representative place, to be sensually and gratifyingly exhibited.
By selecting the rose theme for her ensemble, Anna Vonnemann is firstly choosing the notion of beauty. At the same time, however, this – with respect to iconography and the history of ideas – is a motif of withdrawal and enclosure. From the history of motifs, we are aware of the mediaeval garden and the hortus conclusus, of which roses were a firm, repeated component. If we view this motif free of theological context, those gardens would be places of withdrawal, recovery and isolation. If this idea is transferred back to our present world, it indicates that Anna Vonnemann’s art not only possesses a decorative aspect. Her pictures are brilliantly realised in the painterly, technical sense; the application of paint alone is worthy of admiration. But in addition, her work brings art back from an idealistic, consecrated temple to real life and so attains the function of release. This is close to the ancient notion of otium – the desire for quiet, relaxation and leisure. Here the enjoyment of the ancient otium as the enjoyment of pure, socially unburdened nature is translated into the enjoyment of the image. The rose motifs, with their ensemble character and their infinite rhythmic repetition, display an all over pattern that is capable of defining an architectural space as a space of experience.
The attraction of Anna Vonnemann’s pictures lies in the adjacency of technical skill and intellectual reflection. They give back a functional value to the work of art which – although historically legitimised – has been lost to us.
What we have here, therefore, is art as the production of a private space for a privatim, a space that may also become public as a social stage.
Why shouldn’t paintings convey a sense of well-being?
